Berta Pascual, más conocida como Bamidala (Sevilla, 1986), es una destacada autora de cómic underground que utiliza el dibujo como una terapia. Su estilo, de trazo orgánico y contundente, explora con total libertad las relaciones afectivas, la identidad y la presión social a través de obras tan personales como Raíz, Monroe y Tocotó, esta última galardonada con el premio a Mejor Fanzine en Salón del Cómic de Barcelona.

Pregunta.¿Cómo nace su nombre artístico y qué significa como autora?

Respuesta.Soy muy fan de Star Wars y en la saga hay un personaje que se llama Amidala, es un personaje femenino con mucha carga política interpretado por Natalie Portman y, además es el personaje clave en la evolución de Anakin Skywalker a Darth Vader. Además, al principio es la reina de un planeta y tiene un repertorio de vestuario espectacular. Siempre he tenido interés en otras formas artísticas como la moda y aquello me impactó muchísimo, de hecho, tengo algunos libros del diseño de personajes de esa parte de la saga porque verdaderamente me caló. Así que buscando un pseudónimo para mis proyectos creativos acabé añadiendo la inicial de mi nombre al del personaje y así nació Bamidala.

P.Ha publicado obras muy personales como Raíz, Monroe o Chupasangre. Más allá de los evidentes elementos de ficción, ¿cuánto hay de vivencia propia en sus viñetas?

R.En todas mis obras hay parte de mí, es inevitable. Utilizo los fanzines para expresar lo que me pasa, lo que vivo, lo que siento, lo que no sé expresar de otra forma. Hacer cómics para mí, es terapéutico. Disfruto del proceso, pero es que además, es curativo, reparador, sanador. Me he enfrentado al no saber quién soy, a rupturas, a decepciones, a duelos… he aprendido mucho de mí misma a través de mis viñetas. Raíz es la representación de la búsqueda del ser sin llegar a ninguna parte y aceptar que no tiene por qué haber una definición específica de nada, aceptar la propia búsqueda como parte del ser. Monroe fue terapia de ruptura de una relación con otra chica que nunca fue. Un romance de niñatas que me hizo más daño del que pensé que me haría. Pero es que cuando te dejan sin nunca haber sido nada, es difícil de procesar. Las cosas cuando tienen etiquetas y están enmarcadas de alguna forma, son más sencillas de entender. Chupasangre es un ejemplo de cómo conectamos con personas online a través de intereses comunes y luego, te decepcionan al hacerte ghosting porque proyectaban una idea de algo que luego no acabó siendo. Huete es el proceso del duelo de terminar la lactancia con mi primer hijo y cómo tuve que aprender a dejar ir con las hormonas revolucionadas. Ese comiquito me ayudó mucho. Y Aparejo es un fanzine de pesca sobre el proceso de cerrar heridas del pasado que tenía abiertas respecto a mi compleja relación con mi padre. La mayoría de mis obras exploran alguna vivencia o alguna reflexión vital. Aunque luego también puedo tener un lado más inesperado, raruno, y casi lynchiano donde todo cobra un sentido más onírico casi cómico y no necesariamente personal.

P.Su trabajo se caracteriza por un trazo de formas rotundas y figuras muy contundentes. ¿Cómo definiría la evolución de su estilo visual?

R.Mi dibujo es desenfadado y redondo, con trazo poco limpio, más orgánico, casi visceral sin llegar a lo abstracto. No busco hacer líneas perfectas porque creo que no me representan. Soy autodidacta y empecé haciendo líneas básicas limpias y rectas, que era lo que tenía alrededor, sobre todo en animación (gran inspiración para mí). Y a medida que he ido aceptando más quién soy como persona y como artista, he ido dejándome llevar más y la evolución ha sido hacia lo menos formal, más fluido, más grande, más curvo, más redondo, más rotundo, sí. Figuras femeninas y queer con fuerza y presencia, mujeres que no puedes no mirar cuando están en una viñeta o escena. Hay peinados y estilos de corte de pelo que primero he dibujado en algún personaje y que luego he acabado llevando yo sin si quiera pensar que primero lo había diseñado sobre un personaje.

He visto cómo el sector ha pasado de algo nicho y relativamente ‘underground’ a algo cada vez más presente”

P.Ganar el premio a la mejor obra de este circuito en el Salón del Cómic de Barcelona es un hito enorme. ¿Cómo lo recuerda?

R.Ganar el premio al Mejor Fanzine del Comic Barcelona después de haberme dedicado a publicar fanzines durante 15 años, ha sido increíble. Y además ha sido con una obra de la que estoy tremendamente orgullosa a nivel gráfico y narrativo. Tocotó es un fanzine inspirado en la canción de Amaia del mismo nombre que, a su vez, está inspirado en la canción de Marisol: Corre, corre, caballito. El mensaje de la canción de Amaia me caló, esas prisas que tenemos por llegar a todo, esa presión social que nos imponen y en realidad, si no se llega a todo, no pasa nada. Pues de eso va Tocotó. Además, el formato del propio fanzine es una invitación a la interacción con una encuadernación por pliegue, no tiene ni grapa ni cola, se puede abrir y desplegar un póster de caballitos culones anatómicamente imperfectos en el interior. Esos caballitos imperfectos representan el mensaje del fanzine y mi propia verdad: abrazar la imperfección, aceptar que no se llega a todo y disfrutar del camino.

R.Además, he ganado en un año histórico ya que, por primera vez en la historia de los premios del Comic Barcelona, ha ganado el gran premio una mujer, en este caso la gran Teresa Valero. Y haber ganado yo siendo mujer me hace aún más ilusión.

P.Además de sus cómics en solitario, ha participado en antologías colectivas. ¿Qué le aporta colaborar codo con codo con otros creadores?

R.Lo que más me aporta el mundo del cómic y la autoedición es la gente. He conocido a personas increíbles, artistas inspiradores, y amigues que llevo conmigo para siempre. Colaborar es una de las cosas que más me gusta. No sólo porque interaccionas con otras personas creativas, además, te saca de tu zona de confort ya que te tienes que adaptar a la propuesta ajena. Te dan un tema, un límite de espacio, ayuda a llevar las ideas un paso más allá. Experimentas, pruebas técnicas nuevas, formas distintas de contar historias. Y en el otro sentido, cuando organizo y edito yo mis antologías con otras personas, disfruto mucho curando la obra y acompañando en todo el proceso a quienes participan conmigo. Y me encanta descubrir gente nueva que hace cosas chulísimas y quiere participar en mis proyectos. Me calienta el corazoncito.

P.El sector al que perteneces atraviesa un momento muy vivo, pero exigente. ¿Cuál crees que es su mayor reto?

R.Yo me muevo en el mundo de la autoedición. Es un sector que está más vivo que nunca. Llevo más de una década autoeditando cómics y he visto cómo ha pasado de algo nicho y relativamente underground a algo cada vez más presente. En España cada vez más se ven eventos de autoedición autogestionados y diversos, con una cantidad ingente de propuestas súper creativas y novedosas. Me hace muy feliz ver cómo el tejido fanzinero es y será. Mi mayor reto siempre ha sido poder contar una historia de más de 40 páginas. Tengo pendiente conseguir publicar o autopublicar una novela gráfica, y ahí tendría que pasar de las 90 páginas. Narrativamente, ser capaz de llevar a cabo una historia así impone, sobre todo para alguien que suele resolver con 2 páginas y con 10. Mantener bien ligada la trama, que sea interesante, que no haga aguas, que el estilo se mantenga durante tantas páginas, el color, los acabados, los buenos diálogos, los personajes con profundidad… el reto está en todo eso. Y en ello ando. Es mi gran proyecto en proceso.

P.¿Cómo es un día habitual en su proceso creativo? ¿Empieza por el texto, los bocetos o la experimentación?

R.Depende. Hay veces que voy por ahí y me viene una idea. Una frase. La apunto. Y de esa frase sale una situación. Me viene a la cabeza un personaje que viviría esa situación y le escribo alrededor una historia. Otras veces, me viene una imagen, visualizo una escena o una viñeta, y de ahí parte todo. Otras, en el caso de las historias más personales, reúno recuerdos, que escribo en un vómito de ideas en una libreta. La sensación de coger una pluma y un papel y soltar cosas sin aparente sentido es algo único y a mí me encanta. Luego esas frases inconexas o palabras las paso a un documento digital y empiezo a darle forma. Aunque otras veces, cojo el cuaderno y el lápiz y esas frases vomitadas las voy plasmando directamente en un storyboard. Aunque soy muy disciplinada y comprometida, soy poco reglada y cuadriculada en cuanto a los procesos en sí. No sería la primera vez que probando una pluma o rotulador, hago un garabato de un personaje inventado y de ahí me sale una trama para una historia. Mi proceso es caótico de origen y como sistema hace aguas, pero a mí me funciona. Me dejo llevar por la historia y por mis personajes, no pongo límites, confío en las ideas. Pero lo lógico y es algo que estoy intentando hacer con la novela gráfica en la que estoy trabajando es: pensar, escribir, guionizar, storyboard, dibujo, textos, color y acabado. Y esta vez, estoy orgullosa de decir que hasta el storyboard he cumplido los pasos y ahora estoy dibujando. Cuando el proyecto es largo, es más recomendable ser más estricta en el proceso, con los fanzines, me dejo llevar como parte de la gracia de hacer fanzines.

Hacer un cómic lleva mucho tiempo y esfuerzo y lo que percibes por ello no te cubre el tiempo que le dedicas"

P.Ha explorado temáticas afectivas, sociales y de identidad con total libertad. ¿Siente que el circuito alternativo es un espacio sin censuras?

R.El mundo de la autoedición es la absoluta libertad. En todos los sentidos. Si hay un lugar inclusivo donde una puede expresar lo que quiera sin restricciones, es la autoedición. Yo soy una mujer cis lesbiana que hace cómics con personajes queer. Hablo de mil temas. De querer, del malquerer, de dejar ir, de amistad, de encontrar tu sitio, de la presión social, de la familia, de las expectativas, de ser una misma… esos temas son transversales, cualquier persona puede conectar con ellos porque son humanos. Independientemente de quién seas y con qué te identifiques, te pasan cosas, y por eso puedes conectar con estas historias. En mi caso, siempre he sido bienvenida en todos los saraos fanzineros, mis cómics tienen su público, yo soy abiertamente queer y me he sentido siempre querida y apreciada en el circuito de la autoedición. Es un lugar seguro seas quien seas, siempre desde el respeto. Mis colegas de la autoedición son una pandilla de lo más variada que cuenta sus historias sin tapujos y vive los espacios sin ningún tipo de censura. Si algo tiene la autoedición es eso: libertad absoluta y gente respetuosa e inclusiva.

P.¿Cómo ve la salud del mundo del cómic en España y qué perspectivas de futuro nota para los autores nacionales?

R.La salud del sector es mejorable. Hoy día la mayoría de les autores de cómics no puede dedicarse exclusivamente a esta profesión. Hay muy muy poquitas personas que vivan sólo de hacer cómics en España. Normalmente, se suele compatibilizar con otro trabajo que es el que paga las facturas. Piensa que hacer un cómic lleva mucho tiempo y esfuerzo y lo que percibes por ello no te cubre el tiempo que le dedicas. Tienes que comer todos los meses y pagar tu casa, pero cuando publicas, te dan un adelanto y luego hasta que no entregas, es un salto de fe. De hecho, el gobierno ha concedido las ayudas al cómic, que son unas becas para autores de cómics con una dotación económica que cubre más o menos gastos de un año para que puedas hacer un cómic en 18 meses, lo publiques o no. Que el gobierno tenga que intervenir de esta forma dice mucho y muy malo de la propia industria. Lo que suele pasar es que aquellas personas que viven del cómic trabajan para otros países como Francia y Estados Unidos, que tienen una industria real. España está lejos de eso.

P. Teniendo en cuenta el auge y la visibilidad que está ganando este sector en nuestro país, ¿hacia dónde crees que se dirige la industria?

R.El boom del cómic es una realidad en el mercado español. Afortunadamente, hoy vas a cualquier librería y no sólo encuentras libros, hay cómics. Pero mercado e industria no representan lo mismo. Si la industria nacional hace aguas y no tiene un futuro muy prometedor, el mercado es otra historia. Hay demanda y mucha. Lo que más vende es el manga y eso ayuda a democratizar el cómic en general. Creo que se han dado varios factores: por un lado, les millennials que somos el grueso generacional que siendo adolescentes leíamos manga y ahora tenemos los medios para comprarlos; y por otro, la oferta se ha ampliado a muchos tipos de publicación, lo cual amplía las opciones y atrae a más gente. Súmale también que las redes sociales promueven de forma masiva cualquier cosa. Ya no sólo vas a la tienda de cómics de tu barrio a que tu librera de confianza te recomiende algo, te cruzas con algún título que alguien se está leyendo en redes y lo ves de otra forma: esa persona opina, te cuenta sus impresiones, le pone énfasis a lo que le ha gustado, y tú te puedes identificar con lo que dice y pensar que podrías conectar con esa obra. Y vas y la buscas. Digamos que el conjunto de la disponibilidad de medios, sumado a la buena oferta que tenemos, y la buena promoción y divulgación que se está haciendo online culmina en la tormenta perfecta del mercado del cómic. Y yo feliz de tener tanto entre lo que elegir. Respecto hacia dónde se dirige la industria, pues espero que hacia una sociedad que no demoniza los tebeos y los muñequitos, que respeta que una persona lea cómics y punto. A dejar de comparar novelas con cómics, a que los números del mercado empapen al tejido industrial y que ser autore de cómic sea una profesión respetable, respetada y digna.